Recension: Apospasmata

I GREPPET AV ETT VÅLDSAMT SPEL

Helsingfors danskompanis nya premiärverk Apospasmata väcker motstridiga intryck. Å ena sidan, när man ser på verken, tänker man att ett liknande tema, det vill säga relationen mellan storstaden och våld, har behandlats mycket inom dans såväl som i andra konstformer. Å andra sidan är verkets sista scen så fantastisk att den helt tar bort de tvivel som uppstått i sinnet.
Koreografin i verket är ett samarbete mellan greken Andonis Foniadakis och ett danskompani. Foniadakis (f. 1971) bor för närvarande i Lyon, Frankrike, där han har sin egen grupp, Apotosoma Dance Co. Tidigare har hon arbetat som dansare i Maurice Béjarts trupp, bland andra, och har sedan dess besökt USA och flera europeiska länder som koreograf.
Musiken till verket är komponerad av fransmannen Julien Tarride. Musik är en ljudmatta skapad av maskiner. Det är ett väsentligt element i verket, som skapar inte bara ljudmässiga utan även rumsliga effekter. Genom musiken fångar verket känslan av en storstad genom olika effekter. De inkluderar dånet från tunga maskiner, sirener eller tunnelbaneljud.
Tarride kombinerar också en organisk kvinnlig vokalröst med maskinproducerade melodier. Den mest intensiva delen är den rytmiska rörelse som skapas av de olika slagverksinstrumenten. Tarrides ljudlandskap är en av de mest lönsamma delarna av verket.

Opersonligt mörker

Apospasmata betyder utdrag, delar, delar. Verket är uppdelat i delar, där den första fokuserar på fysisk iver och våldsamt stadsbeteende – om än på ett relativt suggestivt sätt.
Till skillnad från till exempel Kenneth Kvarnströms tidiga verk för en dansgrupp, estetiserar Apospasmata inte hårdhet och våld genom att använda renade, kristalliserade och strömlinjeformade rörelseelement.

I Apospasmatata är rörelsen mer som ett snabbt väsande, till och med fräsande vid lyft och rotationer, som inte görs på ett kontrollerat sätt. Detta är ett bra val, eftersom våld är suddigt. Det behöver inte alltid estetiseras för att vara vackert.
Också intressant är dansarnas opersonlighet, vilket inte är karaktäristiskt för den aktuella gruppen. I detta verk har dansarna inget konkret ansikte, eftersom de är täckta med svarta strumpbyxor. I början bär alla, både män och kvinnor, också peruker med långt hår, vilket också gör dem könlösa.
Verkets visuella utseende är mycket mörkt, vilket passar temat. Dansarna dansar nakna i en scen, så deras hudfärg i kombination med det mörka rummet skapar subtila toner. I den andra scenen flimrar lysrören i ett tempo som matchar musikens rytm.

En ny början

Rörelsen rullar i en kontinuerlig ström när nio dansare bildar olika kroppskompositioner och högar. Att beskriva våld och storstadens mentalitet som opersonligt ger i sig inte nya impulser till tänkande eller upplevelse, särskilt eftersom rörelsematerialet i verket långt ifrån är exceptionell samtida dans.
Men bara för slutscenens skull är verket värt att se. Det gör rent ut sagt ont.
Efter en våldsam scen som nått sin kulmen finns två nakna dansare på den nakna scenen, Valtteri Raekallio och Jenni-Elina Lehto. De representerar någon slags utopi för den nya människan.
Scenens rörelse är det mest intressanta i verket. Den har fulhet, djurlikhet, oskuld, men också kontaktpunkter med olika religioners bildspråk.
Scenen ger ännu fler rysningar när röda märken börjar synas på dansarna.
Som om de vore fulla av blodiga sår står de inför en värld som i slutändan verkar erbjuda inget annat än våldsam lek. Patetiskt, kanske, men mycket imponerande.