Recension: Apospasmata

HÄPNADSVÄCKANDE ÖVERFLÖD

Först kommer ljudet. Den fyller mörkret och förbereder kroppen. Sedan kommer rörelsen. Och vilket drag! Apospasmata är full av underbar rörelse: vacker, energisk, trasig, stoppad, ful, flödande, sensuell, aggressiv, antigravitation, roterande, organisk… Jag kan inte minnas när jag senast blev galen i rörelsespråk på det här sättet. Foniadakis har – tillsammans med dansarna i dansgruppen, minns han att påminna oss om – skapat en oförglömlig väv av rörelse, som är själen och visdomen i hela verket.

Den tydligt tredelade strukturen i apospasmata är indelad i scener, in i vilka man glider mjukt, som om man smygde sig in. Den franske kompositören Julien Tarrides kraftfulla, suggestiva musik skapar en färgstark värld av essens för dans, stödd av lätt dramaturgi. Det övergripande konstverket byggs ytterligare upp av de kostymer som koreografen föreställt sig – och avsaknaden av kostymer. Rörelse, musik, ljus bildar en sömlös helhet.

Behandlingen av rörelse är kärnan i detta arbete. Som en centrifugalkraft kastar scenens rörelse energi till dess sidor och till auditoriets baksida. I all sin intensitet är rörelsen organisk och flödande: hela dansgruppen bildar en slags sällsynt organism som ständigt omformas och söker nya former av varande för sig själv.

Koreografen har sagt att han undersöker storstadens invånare som utsatta för det ständigt närvarande hotet, faran och våldet, liksom den otydliga känslan av ondska. Allt detta har överförts till dansarnas rörelser på ett sofistikerat och konstnärligt sätt. Dansarnas rörelser är ibland våldsamma och explosiva i intensitet, och de dynamiska variationerna är starka. Ändå flyter satsen på, utan plötsliga och “våldsamma” kvalitativa stopp.

Rörelsen börjar till stor del från botten, från en djup andra position, och stiger genom mitten och hoppar, snurrar upp och ut i rymden. Det är som om rörelsen roterar i en spiral från centrum och ut. Men snabba tempovariationer och förändringar i rörelseriktningen bryter rörelsens linjäritet. Denna filigranliknande rörelse håller betraktarens uppmärksamhet uppmärksam och får pulsen att stiga obehagligt. Palmerna blir blöta: vad händer härnäst? Denna brytning och snurrning av rörelsens riktning ger intrycket att rörelsen dansas baklänges: rörelsen spolas tillbaka! Verkets tema motiveras av behandlingen av rörelse.

Dansgruppen på Helsingfors stadsteater är helt briljant. Redan erfarna veteraner har stärkts av unga virtuoser. Illusionens pris är alltid högt: dansarna utför fysiskt krävande arbete, slutresultatet är en njutbar, välfungerande och passande mirakulöst gravitationsutmanande dans. Och dansarna är alltid i rörelse, nästan i luften. En särskilt fin kristallisering av Apospasmatas rörelse är kvinnans (Jenni-Elina Lehto) korta solo mellan massscenerna i första delen. Den graciösa rörelsen som Tiitinen dansar lever som en rastlös eldlåga i vinden: rörelsen strävar alltid efter något, söker riktning, utan att leda någonstans.

Apospasmata är arkaisk, rituell och monumental. Den är operatisk på ett lämpligt sätt, med essensen av en “stor scen”. Den innehåller referenser till flera riktningar, såsom konsthistoria och sci-fi-serier, och verket lånar även filmisk berättelse.

Om kännetecknet för finsk samtida dans anses vara en holistisk uppfattning av ett konstverk och en “modernistisk”, introspektiv essens, är detta dansverk av en grekisk koreograf finskt. Verkets essens är komplett, nivåerna av dess närvaro är inte brutna eller nedmonterade.

Men sättet verket behandlas på skiljer det från finsk dans. Koreografen använder tjocka monumentala konturer och arkaisk förenkling. Robusthet stöds också av behandlingen av människan som en arketyp, ett exempel på en person, inte som en individ. Till en början är intrycket hotfullt, till och med skrämmande, när dansarna går in på scenen i början med ansikten täckta, deras svarta hår glänsande ovanför. Sedan frigjorde ansiktslöshet/huvudlöshet alienationseffekten som en slags, hjärnan ledde inte tittandet. Jag fokuserade på kollektivet.

Ansiktsskydd, sammetslena mjuka, svarta heljersey- och unisexperuker bygger upp en flock individer som motsvarar summan av dess medlemmar. Denna hjord bildar en organism där alla fyller sin egen lilla viktiga roll, utan vilken hjorden inte skulle fungera. När ensemblerna tas av avslöjar hjordens medlemmar deformerade kroppar: hela kompositionen faller isär likt kubisternas, som skildrade sitt motiv ur flera perspektiv samtidigt. Nakenheten lämnar varelserna ensamma, skilda från de andra, förvirrade: bilden är skoningslös.

Den tredje delen är mycket chockerande. Valtteri Raekallio och Jenni-Elina Lehto är offren i de tidigare scenerna, som har kastats ut i intet. Dessa nakna, hjälplösa offer som förvisas från paradiset famlar i den eviga fördömelsens mörker – varandra?, deras liv? Förbindelse?, fred?

Duetten är verkligen rörande och Raekallio och Lehto dansar den fint, buty-liknande, dröjande och mjuk. Det mest skrämmande med denna allegoriska bild är förmodligen dess sanningsenlighet i vår tid. Ändå är slutet öde: en blir utmattad mitt under resan i sin partners armar, den andra stiger upp i mörkret som om det vore av hans egen hand?

Jag tycker det är oerhört njutbart att koreografen har kunnat och vågat vara barockt riklig och ärligt talat patetisk. Jag använder det sista uttrycket i dess goda bemärkelse, valda stilistiska medel, utan några andra konnotationer. Patos kan inkludera hela verkets allegoriska natur och det valda temat, samt tydliga universella ikonografiska referenser. De serverade alla helheten perfekt.

I många fall ger berättelsen bara en anledning att skapa en underbar rörelse. Och jag blev förälskad i rörelsen och känslan den skapade i detta verk. När jag såg dansstycket påmindes jag om de mästerverk Kenneth Kvarnström hade skapat för denna grupp. Likheter kunde också hittas med Tero Saarinens dansverk.