Recension: Fanny ja Alexander

Jag antar att Fanny och Alexander kommer att diskuteras på sociala medier, i staden och i media som ett spektakel. Det är inte fel, föreställningens omfattning, ensemblens storlek och dess stabila speltid ger grund för detta.

Men spektakel är mer ett begrepp som beskriver kvantitet och massa. Dessutom definieras en av ordets betydelser i civilisationens ordbok som “storslagen men ytlig film, pjäs”, och det passar inte Paavo Westerbergs regi, eftersom ytlighet inte är en av dess egenskaper.

Så jag letar efter en allegori för framförandet ur musikens perspektiv. För mig framträdde och hördes Fanny och Alexander nu som ett symfoniskt scenverk komponerat till stor del, där både requiem och glädjeoden spelades. Den fängslade sinnena och närde sinnet, precis som de stora verken av Mahler eller Sibelius själva. Och det mest betydelsefulla för den övergripande effekten är att den 17-mannaensemblen som framförde denna symfoni, samt personalen som ansvarade för visualiseringen och den tekniska utrustningen – förstås Sanna Salmenkallio, som också komponerade den fina partiturmusiken och delvis ansvarade för ljuddesignen – gjorde hela ljudet vackert. Harmoni föddes.

ÅR 1982 är Ingmar Bergmans Fanny och Alexander, och särskilt dess långa fem timmar långa TV-version, den jag ofta har slängt på disken om jag fått den orimliga frågan “vad är världens bästa film?”. Det är därför förväntningarna på City Theatres scenframträdande var höga, men å andra sidan blandades de med rädsla. Skulle Fanny och Alexander vara något annat på scen än filmens liveillustration, skulle det vara ett självständigt verk med egen röst? Hur kunde den stora och frodiga berättelsen, som väcker överväldigande känslor på skärmen varje gång den visas, komma fram från City Theatres flygplatsscen?

Nu kan du markera ett plus i varje punkt: var, var och kom.

Paavo Westerberg har gjort scenadaptionen baserad på det prosaverk som Bergman har anpassat från sitt filmmanus. Han har inte satt sig för att bryta upp konflikten mellan två familjekulturer, som växer till episka proportioner, men grundberättelsen och alla dess centrala karaktärer finns med i pjäsen.

Regissören och dramatikern har ställt till det så mycket att han har tagit bort tidigt 1900-tal, och därför används en slags blandteknik i kostymerna och hela scenografin: lite gammalt, lite nytt, något lånat och förmodligen något blått också…

De som är rädda för denna typ av “modernisering” kan känna sig lugnade av att säga att om Fanny och Alexanders signaturtröjor och vita sneakers eller den anakronistiska kläddiskussionen i Ekdahl-familjens julscen i början fortfarande fångade uppmärksamheten, så hoppar sådana saker inte riktigt ut när föreställningen fortskrider. Naturligtvis kan man fråga sig om denna visuella lösning av Westerberg överhuvudtaget är meningsfull. Kanske tillför den sin egen känsla till föreställningen när den befriar sina karaktärer från mönster från mer än hundra år sedan. Dessutom är pjäsens hårda mittakt, den svåra tiden för Fanny, Alexander och deras mor Emilie som styvfamilj till biskop Edvard Vergerus, tecknad i en mycket disciplinerad, dyster svart-grå färgschema. Till och med till den grad att barnens vardagskostymer påminner om Hitlerjugends mörka klädkod.

Den cirkulära tekniken på City Theatres huvudscen används i Fanny och Alexander så kreativt och funktionellt att jag inte minns att jag sett något liknande. Aldrig.

Den sprider hela paletten framför oss redan från första scenscenen, alla miljöer, alla karaktärer. De inre och yttre cirklarna roterar i olika takt och scenens väggar som snurrar runt dem bildar en virvel som omedelbart suger in betraktaren i teaterns magiska cirkel. Scenografen Antti Mattila har inte varit blyg med att visa och använda de grovare sidorna av väggarna utan fasad för att skapa interiörer. De trycks närmare rampen, ofta i bakgrunden i mer intensiva scener.

En nästan genial lösning är att använda fönsteröppningarna i väggarna som titthål, så att fragmentariska rörelser kan ses bakom kulisserna framför dem. Som en filmremsa – ja, för ett ögonblick verkar prestationen antyda dess filmbas. Denna effekt är mest kraftfull i brandscenen i biskopens hus.

Ljuslösningarna i föreställningen, med sitt kraftfulla låga bakljus, rader av fläckar som lyser över hela scenens längd och smala kilar, är en nyckeldel av dess visuella attraktionskraft. Om regissörer och manusförfattare, ibland även vissa skådespelare, har varit min främsta attraktion, kommer ljusdesignern på City Theatre, William Iles, snart att börja stiga till samma kast. Tidigare i höstas “bländade” hon musikalen Priscilla med sin glädje över ljuset.

I biskopens hot är all rörelse mer statisk, medan scenbilden är nästan utvidgad till max. Biskop Vergerus förhör först och disciplinerar sedan Alexander fysiskt i tunnlandssalen, i det bakre hörnet där Fanny hukar sig i bakgrundsljuset och gör skuggbilder. Imponerande, spännande. Om julscenen för Ekdahls är den yttersta glädjens i pjäsen, är detta det svartaste avgrunden.

DET ENDA TEATERDRAMAT JAG har sett tidigare av Fanny och Alexander (TTT 2010, regisserad av Tiina Puumalainen) hade barnskådespelare i titelrollerna. De alternerande rollerna sågs som avkommor till många arbetare, men eftersom icke-professionella inte kunde förväntas bemästra så stora talroller, var Fanny och Alexander i stort sett biroller i sin titelberättelse. (När det gäller dialog var de också med i Bergmans film, Alexander som en mer högljudd skådespelare förstås, och Fanny som en tyst åskådare.)

Lyckligtvis är situationen annorlunda i Westerbergs riktning. Fanny (Elena Leeve) och Alexander (Olavi Uusivirta) spelar huvudrollerna, både på talnivå och på närvaronivå som helhet.

Och på vilket sätt! Redan från sitt första framträdande på andra raden på läktaren, Leeven, 39 år gammal. och barnkaraktärerna skapade av Uusivirta, 39 år gammal, troddes till hundra procent. Vid inget tillfälle under en lång föreställning känner man sig obekväm med vuxna som spelar barn, eftersom skådespelarna inte spelar sina karaktärer genom barnslighet, utan inombords, kanske genom att hämta från sina egna minnen. Båda karaktärerna utmanar vuxenvärlden med bus, och å andra sidan flyr de den med kraften av en samstämmig fantasi. Enligt Westerberg får Fanny också vara skådespelare. Det är därför Leves överdrivna odisciplin känns så fräsch, eftersom de aldrig har setts förut.

Olavi Uusivirta kan nu ses samtidigt (under en tid) i titelrollen som Hamlet på Nationalteatern. Karaktärerna är inte exakt lika gamla, men upproret mot den onde styvfadern börjar med samma trots. Sättet på vilket Alexanders milda glädje förvandlas till tandgnisslande som växlar från raseri, hud- och själssmärta när han rör sig från Ekdahls hus till biskopens palats är det mest gripande i föreställningen.

Eero Aho som biskop Vergerus spelar en roll anpassad för honom. Utan överdrift, utan att karikera ondskans ansikte, tecknar han en tyrann, ett föredöme för grymhet, en man som svär vid helgonens namn.

Anna-Maija Tuokko som Emilie Ekdahl ger den bästa prestationen i sin karriär av alla jag har sett. Både glädjen som uppstår ur Emilies konstnärskap och lidandet orsakat av förtryck och barnens oro framträder blodiga i Tuokkos verk.

Rea Mauranen är som om hon skapades för att gestalta den mångfärgade karaktären matriarken Helena Ekdahl, liksom Santeri Kinnunen, var mitt säkra val på rollen som Gustav Ekdahl, en glad underhållare, när jag hörde talas om City Theatre-projektet tidigare.

Rollbesättningen av pjäsen har gjorts med fromhet, så många av de mer statistiska karaktärerna blir smakfulla, såsom biskopens syster Henrietta Vergerus (Aino Seppo) eller biskopens huskassör Justina (Leena Rapola).

SPEKTACLE-delen av föreställningen är faktiskt dess längd. Produktioner på mer än tre och en halv timme är ganska sällsynta nuförtiden, någon gång vid 1980- och 90-talsskiftet var de en del av vardagslivet, Group Theatres Sagan om ringen och den fem timmar långa Karamazov-produktionen, liksom National Theatres sju timmar långa Angels in America för att nämna några exempel.

Megalånga prestationer är inte längre ett mål i sig för regissörer, och det är bra, men de bör inte heller fruktas. Den nuvarande underhållningskulturen och medieklimatet har lärt oss att vara för kortsynta, även om folk på sociala medier å andra sidan verkar skryta om sina “TV-seriemaraton”, alltså hur de har sugit in en åttadelad serie från Netflix. Så det är ungefär sex timmar med några intervaller.

Fanny and Alexander varar 3.30 med sina pauser, men det blir inte tomt en sekund, det får dig inte att gäspa alls. Och jag vet egentligen inte var jag ska ta av den. Bergmans stora saga om kollisionen mellan två familjekulturer och två livsstilar berättas i samma utsträckning som det är brukligt att njuta av på bioduken. Åtminstone lika frodigt och spännande, men ännu mer levande med teaterns magi. Det är därför det är det främsta valet för dem som planerar en teaterkväll i höst. Den ger dig allt du kan förvänta dig av en teaterföreställning.