Recension: Veljeni Leijonamieli

Helsingfors stadsteaters Min bror Lejonhjärta

Det händer lite för ofta att när man verkligen ser fram emot ett evenemang eller en sak, blir slutresultatet oundvikligen en besvikelse, eftersom förväntningarna har blivit för höga. Helsingfors stadsteaters My Brother Lion’s Heart var den typ av evenemang vi har väntat på i månader utan att ljuga.

Sedan vi hade kommit till slutet av boken med Napero läste vi den om och om igen, gick igenom våra favoritavsnitt och pratade om berättelsens olika vändningar. Möjligheten att se denna berättelse live på teaterns scen just nu var därför en omöjligt stor möjlighet. Lyckligtvis var pjäsen också ett undantag från regeln: trots den långa väntan och de förväntningar som ställdes på pjäsen är Helsingfors stadsteaters Broder Lejonets sinne allt annat än en besvikelse. Vi älskade båda den här pjäsen.

Från en klassiker till teaterscenenBerättelsen om Min bror Lejonhjärnan är visserligen bekant för de flesta, men hur bekant? Jag hade glömt den på många ställen innan vi läste den igen tillsammans i år. Dagens barnlitteratur har verkliga pärlor och verk av mycket hög kvalitet, men Astrid Lindgren är i en klass för sig. När jag läste boken märkte jag att jag själv kände mer empati med berättelsen än vanligt, reciterade vansinnigt vackra saker med särskild omsorg, och såg med känsla hur barnet somnade på kvällen med boken under armen. Min bror lejonhjärnan blev hans favoritbok på en gång. Berättelsen om två bröder, Joonatan och Korpu, är en tidlös och häpnadsväckande stark berättelse om bröder, kärlek och kampen mellan gott och ont, som aldrig kan undkomma i denna värld. Även om berättelsen har mycket mörker och tunga ämnen, är den ändå full av ljus och hopp rakt igenom.

Raven, spelad av Alexander Wendelin, och Mikko Kauppilas Joonatan var ännu bättre i sina roller än jag vågat förvänta mig. Naiviteten hos en oskyldig och blyg liten pojke är perfekt närvarande i korpuset när han måste växa upp modigare än man kunnat föreställa sig. Joonatan, å andra sidan, framstår lite annorlunda i pjäsen än i boken: karaktären är ganska rastlös och tillför Jonathan en viss sorts tonårspojkes uppror och trots. Jag tycker det passade karaktären perfekt, för vem i den åldern känner inte orättvisa särskilt stark och personlig? Samtidigt fick relationen mellan storebror och lillebror mer fart, eftersom storebror inte bara åtföljs av oro och kärlek, utan också av frustrationen som lillebror kräver att få vara med. Men vad som hände när lillebrodern är den som går igenom den största tillväxten och utvecklingen – det är främst Korppus egen historia.

Sagan Nangijala

Nangijala är en värld som kan vara vad som helst. Dalarna, illustrerade av berg och skogar, är frodigt gröna och fulla av äventyr. Samtidigt är de ett rum format av fantasin. Nangijala kräver snarare att dyka ner i sitt eget sinne och skapa idéer med fantasins kraft. Vilken saftig möjlighet för scenografen Vilma Mattila, som har haft möjligheten att ge liv åt denna värld på teaterns scen!

Det som först verkar väldigt enkelt är allt annat än det. Nangijala lever och andas, och den är byggd av tegelstenar precis som människans fantasi när händelserna utvecklas. Vilken fantastisk insikt detta har varit, för i efterhand kan jag inte föreställa mig Nangijala, där landskapet är och kommer att förbli – oavsett hur vackert det är byggt. Dessa scenografier är fästa vid själva kärnan av berättelsen, och de spelas och byggs upp som om de berättades med ett barns fantasi när man berättar historier. Byggstenarna skapar berg, tunnlar, forsar och till och med riddjur och drakar. För det är så ett barns sinne fungerar: ett välbekant träd på gården förvandlas till ett monster i mörkret, och en klättersten förvandlas till ett piratskepp när man leker. Den roterande plattformen bidrar till intrycket av rörelse och resa.

En sak jag också blev förälskad i var Nangijas kläder: kostymdesignern Heidi Wikar har på ett genialt sätt kombinerat dagens hoodie-mode med historiska huvklädda capes och tunika. I en annars ljus värld tillförde dessa outfits också färg till scenen. Det är en märklig sak, men nyanserna av grått och blåaktigt är precis så jag skulle beskriva Min bror Lejonhjärta. Kanske för att världen är så drömlik, eller för att atmosfären kring döden har fått dessa toner. Färgerna mitt i denna blekhet påminner oss om samma sak som Orvaris oförglömliga ord: frihet dör aldrig.

Den fantastiska ensemblenMy Brother Lionheart kombinerar musikalteater, dockteater och koreografi. Dockorna är närvarande från början till slut, inte bara för att upprätthålla den drömlika illusionen av blåaktiga nyanser, utan också mjuka upp de mest våldsamma elementen i berättelsen. Vi ser Joonatan hoppa från taket med Korppu på ryggen som om han vore en miniatyrmodell, och kampen ovanför forsarna och i tunnlarna genom dockorna. Det ger Nangijala djup eftersom vi inte är begränsade till vad som händer på scenen. Dockorna förstorar rummet runt dem och tar betraktaren längre bort, så att säga, så att situationens omöjlighet betonas. Tengil, förtryckaren av Rosendalen, är mer komisk än skrämmande som en liten marionettfigur över de andra, men är det inte ofta så det går? Förtryckare viftar med fingrarna utom räckhåll för vanliga dödliga och låter till och med deras mer fruktade krigare göra det smutsiga jobbet åt dem.

Musik bygger en hotfull atmosfär kring händelser, och musik kristalliserar lika mycket hopp om bättre och frihet. För mig var det vildaste ögonblicket sången som bröts mitt i allt för att min nacke var bruten. Men precis som det mest rörande och vackra var Korpus ankomst till Nangijala och det rörliga, lekande, glada barnet som gick runt mitt på en sagolik lekplats. Döden är ett tungt och svårt ämne även bland vuxna, men måste det verkligen vara så?

En minnesvärd upplevelse

Barnet var särskilt imponerad av Orvar, spelad av Samuli Pajunen, som i andra halvan framträdde som en hjälte i kamp mot förtryckarna. Han fann branden som inträffade precis i början av pjäsen, där Joonatan dog, skrämmande. När jag läste boken diskuterades detta avsnitt redan mycket, men när lågorna så tydligt framfördes framför våra ögon slog verkligheten hårdare. Att gå och lägga sig blev försenat på kvällen, eftersom vi fortfarande bläddrade i programmet i sängen och gick igenom det tillsammans med det vi nyligen hade upplevt. Han tyckte inte att framträdandet var skrämmande, men det krävdes en del att smälta för att se hans favoritberättelse. Orvaris bild har redan setts i manuset flera gånger.

Eftersom pjäsen rekommenderas för barn över 9 år undrade jag länge om jag borde ta med min egen snart sexåring. Till slut gick vi tillsammans, för jag känner ingen annan som älskar den här berättelsen lika mycket. Berättelsen är också bekant, så de spännande delarna kom inte som någon överraskning, och hon har varit van vid att se fullängdsföreställningar i flera år. Åldersrekommendationen är egentligen bara en rekommendation, och varje förälder kan överväga om leken passar sitt eget barn. För min del skulle jag säga att händelserna i sig inte är vildare än i de andra, men berättelsens nivåer kanske inte öppnar sig för mycket unga människor om den inte redan är bekant. Åldersrekommendationen bör därför beaktas.

Regissören Jakob Höglund har fört Lindgrens berättelse till scenen som ett verk som står på egna ben, respekterar den ursprungliga berättelsen och fortsätter den för nya generationer. För mig representerar en berättelse i sin bästa form de ord med vilka den slutar: Jag ser ljuset. Den representerar hopp, tröst och frälsning på samma gång. Den knyter ihop alla de goda sakerna för att fortsätta din egen berättelse.

Gå och se den här föreställningen. Det är en otroligt vacker upplevelse.

Recension i Saras hemmaplan.