Gravitation
Gravitationen är designad för att vara samtalsinriktad på två nivåer. Mitt första försök har varit att skapa ett konstverk från gravitationen som känns som att betraktaren faller inuti eller med verket. För det andra ville jag skapa konst som verkar tillhöra denna tid.
Jag tycker ibland att det är tråkigt att bygga en dans baserad på parteknik som öppnas rakt fram. Främst för att dansarnas egna blickriktningar är mer mot varandra än i samma riktning (dvs. tillsammans mot publiken). Av den anledningen kändes det bra att förvandla Gravity-scenen till en arena. Den omgivande auditoriet ger tillåtelse att agera mot en potentiell partner eller rikta saker mot rummets centrum, även om det är borta från åskådarna. Utöver detta gör det att publiken kan komma betydligt närmare dansen, utan att den faktiskt regisseras eller framförs för dem.
Mitt försök att stärka upplevelsen av att vara inne i verket var inte begränsat till scenens modell. Gravitationens rörelsespråk har övats och valts ut från rörelseidéer och färdiga tekniker som har någon form av naturlig rytm inbyggd genom både hastighet och vikt. Det positiva med affärsvärlden, som bygger på viktdroppande, droppande, snurrande och andra affärsidéer baserade på fortsatt kinetisk energi, är att det är möjligt och lätt att känna empati för. Dess rutter kan ibland gissas, kurvor och fall kan ses som leder från en rörelse till en annan, och deras lätthet och svårighet kan upplevas direkt.
Även om jag trodde att jag gjorde ett verk som skulle kännas sympatiskt och imponerande för betraktaren, skulle jag också vilja att det var kopplat till den omgivande tiden. Jag försökte se till att Gravitationen inte bara skulle låna, utan också lära sig något från sin tid. Aggressiv hastighetsmanipulation, stillbilder, fasta, ryckiga rörelser, avhumanisering av dansare och kollisioner som plötsligt stoppar accelerationen valdes som kvalitativa verktyg från vilka vi satte oss för att skapa Gravitationens anda ovanpå de ovan nämnda grova och stora rörelseidéerna. För att Gravity djärvt ska se ut som sig själv tyckte jag att förutom variationen i detaljerna och intensiteten i rörelsematerialet, borde det också kännas strukturellt hektiskt. Jag försöker undvika scener som är längre än två minuter, knyter saker ovanpå varandra och rullar rörelseidéer en efter en. Detta kändes tematiskt rätt och var definitivt relaterat till dansinnehållet som finns på sociala medier, till exempel. Samtidigt är det också en del av en större trend med ständigt framåtskridande visuella kulturer, som man sedan kan tänka mycket på.
Jag vill också tacka hela teamet för ett mycket framgångsrikt jobb, allt har gått smidigt. Och inte minst de fantastiska dansarna som har gjort ett jobb mycket professionellt och hängivet, vilket jag bara kan anta var mycket krävande både mentalt och fysiskt.
Jarkko Mandelin